domingo, 28 de febrero de 2016

El coleccionismo en la actualidad


Aprovechando la semana en el que se celebran las ferias de arte contemporáneo en Madrid, nos hemos acercado a la XV Feria de Arte Contemporáneo que celebró la fundación DEARTE en el Palacio de Neptuno de Madrid, para hablar sobre el coleccionismo en nuestros días.


Para ponernos en situación, el coleccionismo ha sido desarrollado por el ser humano desde tiempos inmemorables. Ya desde la antigua Grecia los habitantes de las polis ofrecían distintos elementos de prestigio y objetos que por una u otra razón tenían cierto valor a los templos, en los cuales una estancia se dedicaba a acumular esos bienes. Esta práctica fue heredada al mundo romano. En la antigua Roma surgió el comercio del arte como tal, que hasta entonces no se conocía y el cual ha tenido un gran desarrollo sobre todo a partir del siglo XVIII con los grandes descubrimiento de la antigüedad y el afán por recaudación de objetos procedentes de ella y abigarrados en las wunderkammer, pero sobretodo con la aparición de la primera Gran Exposición de París en 1798 y con la aparición de la galerías y por lo tanto la disminución de arte como mecenazgo (sólo para unos pocos y por encargo).

A lo largo del siglo XX, las galerías de arte han sido un buen mecanismo para acercar la obra del artista a los consumidores. Pues bien, DEARTE da un paso más allá proponiendo, principalmente, una relación más directa entre espectador y artista. En la propia feria podíamos tener el placer de hablar de tú a tú con el artista y pueda acercarnos a su obra. Aparte de eso, ofrece al artista un ingreso casi pleno de los beneficios de la obra puesto que obtiene el 90% del total en que está valorada.

El espacio ESTRENARTE estaba destinado a jóvenes promesas de arte, menores de 26 años, chicos con talento que quieren abrirse camino en este mundo. Para darles un empujoncito en su carrera, un espacio de la feria realizó un concurso sólo para ellos, cuya ganadora resultó ser Elisa Beltrán de Heredia. Dentro del programa de la feria, también había cabida para la intervención en directo de algunos de estos artistas.



Otro sector más dinámico estaba destinado al desarrollo de la imaginación y creatividad de todo aquel que quisiera plasmarla, que resultó ser muy exitosa entre los asistentes más pequeños, una manera quizás de fomentar el arte desde la infancia. Un espacio pintado con pintura de pizarra en el que cada uno aportó su granito y pudo desarrollar todo su arte sobre unas manos colgadas del techo, realizadas por nuestra compañera de la facultad Julia, para ser pintadas como cada uno quisiera.



Un concepto nuevo que desafortunadamente aún no está reconocido artísticamente en su plenitud, es el arte del graffiti, con el que se pueden elaborar obras de gran calidad como es el ejemplo del grafitero Sfhir, el cual expuso una obra suya, que nada tenía que envidiar al resto. También quiso hacer una muestra o performance, en la que se pudiera ver cómo esta técnica pictórica es tan elaborada y se realiza con tantas ganas, esfuerzo y dedicación como cualquier otra modalidad artística (que para nada son cuatro garabatos sobre una pared, a lo que la gente suele identificar con graffiti, que aun así si es arte, bienvenido sea).




Estos cuatro conceptos: relación directa entre artista y espectador, fomentación de la obra de jóvenes artistas, fomentación del arte en los más pequeños y adhesión de nuevas técnicas, son formas muy innovadores de atraer a más público y abrir las fronteras artísticas. No es sino una manera de ampliar el mercado del arte y fomentar su prestigio sociocultural. Por ello, estamos siendo testigos de cómo a pesar de los nuevos movimientos artísticos, las nuevas formas de crear, de hacer arte están cambiando a nuestro alrededor, atendiendo a artistas ambiciosos y que siempre quieren más, pero que la esencia y el objetivo se mantiene vigente desde la antigüedad. Siempre vamos a querer coleccionar tener aquello que signifique algo para nosotros, que nos de cierta seña de identidad, aunque los significados y la forma de mostrarlo hayan cambiado a lo largo de la historia. Cambiamos el mensaje y el canal por el que transmitimos, pero la intención sigue siendo la misma: expresarse, dar un mensaje.






No me despido sin felicitar al equipo, colaboradores y voluntarios por el gran trabajo que han hecho y nos vemos el año que viene!


Para más información: http://www.dearte.info/_feria/




Ana Ágreda

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Collecting today


Taking advantage of the week in which contemporary art are celebrating in Madrid, we have come to the XV Contemporary Art Fair that celebrated the foundation DEARTE in Neptune Palace Madrid to talk about collecting nowadays.

Introducing you, collecting has been developed by humans since time immemorial. From ancient Greece population from the greek polis they offered different elements of prestige and objects had some value to the temples, where one accommodation was devoted to accumulate those assets. This practice was inherited to the Roman time. In ancient Rome the art trade emerged, unknown until those time and which has had a great development especially from the eighteenth century with the great discovery of the ancient age and eagerness collection of objects from it and grizzled in wunderkammer, but especially with the appearance of the first Great Exhibition in Paris in 1798 and the emergence of galleries and therefore decreasing as art patronage (only for a few and on request).

Throughout the twentieth century, art galleries have been a good mechanism to bring closer the artist's work to consumers. DEARTE goes a step further proposing primarily a more direct relationship between viewer and artist. We could have the pleasure of talking face to face with the artist who can approach his work. Apart from that, it offers the artist an almost full membership of the benefits of the work since it obtains 90% of the total which is valued.

ESTRENARTE space was intended for promising young art, under 26, talented guys who want to make their way in this world. To give them a little push in his career, a space of the fair held a contest just for them, the winner was Elisa Beltrán de Heredia. Within the program of the fair, there was also room for live performance from some of these artists.

Another part was intended for the development of imagination and creativity of anyone who would translate it, which proved very successful among younger workers, perhaps a way of promoting art since childhood. A painted with slate paint space in which each contributed their bit and could develop their art on a hung hands from the ceiling, made by our faculty colleague Julia to be painted as everyone would like.

A new concept that is not unfortunately recognized artistically yet, is the art of graffiti, which you can produce high quality paintings like graffiti painter Sfhir, which presented one of his works. He also wanted to make a live performance. He could show us how this painting technique is so elaborate and it’s made with effort and dedication as any other art form.

These four concepts: direct relationship between artist and viewer, furthering the work of young artists, art fomentation in smaller and adhesion of new techniques, are very innovative ways to attract more public and open artistic borders. It is only a way to expand the art market and promote their social and cultural prestige. Therefore, we are witnessing how despite the new artistic movements, new ways of creating, of making art are changing around us, serving ambitious artists and he always wants more, but the essence and the objective remains in force since antiquity. We will always have that want to collect that means something to us, give us some sign of identity, but the meanings and how to display it have changed throughout history. Change the message and the channel through which we pass, but the intent remains the same: to express themselves, give a message.

I can’t forget to congratulate the team, staff and volunteers for the great work they have done and see you next year!


More information on the webside:  http://www.dearte.info/_feria/


Ana Ágreda

EL MUSEO BRITÁNICO Y EL ESTANDARTE DE UR.

El Museo Británico, es uno de los museos más importantes de Europa junto con el Louvre. El origen de su colección procede de la colección privada del médico y naturalista Sir Hans Sloane (1670−1753). Él venderá la colección a Jorge II de Inglaterra. La colección fundamentalmente tenía un gran herbario y una buena biblioteca (contenía además de libros, manuscritos). Su objetivo era que todo el mundo pudiese apreciar dicha colección.

En 1753 se levanta el acta del museo británico, en el que el parlamento inglés instituye una colecta publica para poner en marcha un museo para alojar la colección.

En 1759 se abre el museo al público. Desde entonces el museo estuvo abierto siempre, excepto en las guerras mundiales.

Con el paso del tiempo las visitas aumentaron progresivamente, en la actualidad recibe 5000000 de visitantes.

Es una institución bastante novedosa. Funcionaba con la creación de un patronato que negociaba con el parlamento. Las colecciones de este museo van a ser públicas. La entrada al museo desde el principio fue gratis, ya que debía facilitarse la entrada a toda persona estudiosa o curiosa.

También desde un primer momento se combina la investigación, el estudio y la exposición.
La colección fundacional consta también de una colección de antigüedades, grabados y dibujos. Y también tenía una buena colección de etnografía.

El museo se ubica al principio en una mansión del siglo XVII en Londres, pero con el paso del tiempo se queda pequeña. En 1823 el rey Jorge IV cede al estado ingles su importante biblioteca, la King´s Library. Por esta razón, es necesario crear de nueva planta un edificio nuevo para el museo. Sir Robert Smirke es el arquitecto que diseña el edificio acabándolo en 1857. Este proyecto contaba con un gran patio cubierto en el centro, en el que se ubica una gran sala circular de lectura.

En el siglo XIX el museo se expande atrayendo a muchos visitantes: Se va a continuar ampliando las colecciones y se perfecciona el trabajo científico y de investigación. Se publica un catalogo de la colección. Se contrata también a conservadores, que no solo se encargaran de conservar las obras sino que también harán del museo un lugar atractivo para atraer más gente realizando conferencias, exponiendo colecciones temporales,...etc. Se publica una guía para los visitantes que visiten el museo. Se llevará a cabo una serie de excavaciones arqueológicas organizadas por el museo, fuera del país. Por tanto un importante número de piezas procederán de dichas excavaciones (Siria, Egipto, China...).

Al centrar esta semana el blog en las colecciones del Próximo Oriente, El British Museum es un buen ejemplo. El Departamento de Antigüedades Asiáticas Occidentales muestra obras tanto mesopotámicas como relacionadas con esta zona que van desde el año 5000 A. C. hasta la llegada del islam en el siglo VII de nuestra era. La colección comprende abundante material procedente de las excavaciones que el arqueólogo inglés Leonard Wooley llevó a cabo en la antigua ciudad de Ur. Incluye a Persia, Antigua Arabia del Sur, Anatolia, Mesopotamia y Oriente Antiguo.

De estas excavaciones destacamos una de las piezas que se encuentras en la sala 56. El estandarte de UR.
Es una caja de madera con forma trapezoidal, adornada con un mosaico formado por incrustaciones de madreperla y lapislázuli unidas originalmente a la caja con betún. El estandarte fue hallado en las excavaciones de la necrópolis real de la antigua ciudad de Ur, (Mesopotamia, actual Irak)  en 1920. Este objeto fue encontrado sobre los hombros de un hombre en la tumba de la reina Puabi, junto al resto de sirvientes y tesoros. Corresponde a la época arcaica dinástica, hacia el 2600 a.C.  En ella se observan aspectos de la vida y costumbres de la sociedad mesopotámica, concretamente de los reyes de la I dinastía de Ur.

No se sabe con certeza la función que tiene, pero se cree que pudo haber sido exhibida en el extremo de un mástil a modo de estandarte o también como caja de un instrumento musical o un mueble. Se compone de dos paneles principales “cara de la guerra” y “cara de la Paz”, cada uno de ellos divididos verticalmente en tres niveles leídos a la manera sumeria: de abajo a arriba y de derecha a izquierda. Aunque estén divididos en paneles, no quiere decir que sean escenas diferentes ya que es una historia continuada. La cara de la guerra: su tema es una victoria militar con carros de guerras, soldados con armaduras, prisioneros, lanzas y un desfile de infantes presentándose al rey, el cual está sentado en la parte media de la banda superior. Y la Cara la de la paz: aparece un desfile de animales y tributos como para un banquete presentados ante un rey que bebe mientras conversa ,aparecen figuras sentadas y mientras hay un músico(en la parte superior ) que los entretiene con la melodía de su lira. Las figuras representan frontalidad: piernas y cabeza de perfil pero hombros y ojos de frente, existe ley de jerarquia (por eso el músico estaría agachado)

Entre los años 1927 y 1928 el arqueólogo Leonard Wooley descubrió la necrópolis real de Ur, ciudad sumeria cercana a la desembocadura del Éufrates. Este cementerio consta de unas 1800 tumbas. Una de las mejor conservadas era la de la reina Puabi, o Shubad, que vivió sobre el 2600 a.C., durante la Primera Dinastía de Ur. A pesar de estar enterrada en este cementerio era de origen acadio. Este descubrimiento fue del todo asombroso. Junto a la gran cantidad de objetos de todo tipo hallados en su tumba, unos 20.000, aparecieron también 52 o 65 sirvientes, según las fuentes. Había soldados con sus armas, doncellas, aurigas, esclavos, músicos hallados con las manos en sus instrumentos, todos enterrados junto a su reina. Todos estaban ricamente ataviados y no había señales de violencia, lo cual hace suponer que las muertes se produjeron por envenenamiento.
Las tablillas cuneiformes halladas hasta la fecha no ofrecían información sobre este tipo de ritos, por lo cual la sorpresa fue maýuscula. La mayoría de objetos y atuendos se hallaban en bastante buen estado de conservación. Otros tuvieron que ser restaurados.
La mayoría de las piezas se pueden ver además de en el Museo Británico, en el Museo de la Universidad de Pensilvania, en Philadelfia. Otras se hallan en el Museo Nacional de Irak en Bagdad, aunque varias de ellas desaparecieron durante la guerra en 2003.

Bibliografía consultada;



Arte Egipcio y del Próximo Oriente. Manuel Bendala Galán y María J.López Grande. Historia 16. 

Ana Gago.



The British Museum is one of the most important museums in Europe along with the Louvre. The origin of its collection comes from the private collection of physician and naturalist, Sir Hans Sloane (1670-1753). He sold the collection to King George II of England. The collection mainly had a great herbarium and a good library (containing besides books, manuscripts). His goal was that everyone could appreciate the collection.

In 1753 the minutes of the British Museum, in which the English Parliament establishes a collection published to launch a museum to house the collection rises

In 1759 the museum opens to the public. Since then, the museum was always open, except in the world wars.

Over time visits increased progressively, currently receives 5000000 of visitors.

It is a fairly new institution. It worked with the creation of a board of trustees negotiating with parliament. The collections of this museum will be public. Admission to the museum from the beginning was free, as all studious and curious person should be facilitated entry.

Also from the outset the investigation, study and combined exposure.

The founding collection also consists of a collection of antiques, prints and drawings. And also had a good collection of ethnography

The museum is located at the beginning in a seventeenth century mansion in London, but with the passage of time it became small. In 1823 King George IV gives the English state his important library, the King's Library. For this reason, it is necessary to create new plant for the new museum. Sir Robert Smirke is the architect who designed the building finished in 1857. This project had a large covered patio in the center, where a large room is located a circular reading.

In the nineteenth century, the museum expands attracting many visitors: It will continue to expand collections and scientific and research work is perfected. A catalog of the collection is published. It is also hire conservatives who not only take charge of preserving the works but will also make the museum an attractive place to attract more people to give lectures, exposing temporary collections,etc. A guide for visitors who visit the museum is published. Series of archaeological excavations organized by the museum, outside the country will be held. Therefore a large number of pieces come from these excavations (Syria, Egypt, China ...).

By focusing this week the blog in the collections of the Middle East, The British Museum is a good example. The Western Asian Department of Antiquities shows both Mesopotamian and related works this area ranging from the year 5000 B.C. until the arrival of Islam in the seventh century AD. The collection includes abundant material from the excavations that the English archaeologist Leonard Wooley held in the ancient city of Ur. Included Persia, Old South Arabia, Anatolia, Mesopotamia and Ancient Near East.

Of these excavations we highlight one of the pieces that is in the room 56. The banner of UR.

It is a wooden box with a trapezoidal shape, decorated with a mosaic of inlaid mother of pearl and lapis originally attached to the box with bitumen. The banner was found in the excavations of the royal necropolis of the ancient city of Ur (Mesopotamia, now Iraq) in 1920. This object was found on the shoulders of a man in the tomb of Queen Puabi, along with the other servants and treasures. It corresponds to the archaic dynastic period, around 2600 B.C. It aspects of life and customs of Mesopotamian society, namely the kings of the First Dynasty of Ur observed.


It is not known with certainty the role it plays, but probably may have been displayed at the end of a pole as a banner or as a musical instrument box or cabinet. It consists of two main panels "face of war" and "Face of Peace", each divided vertically into three levels read in the Sumerian way: from bottom to top and from right to left. Although they are divided into panels, this doesn´t mean that they are different scenes, because it is a continuous history. The face of war: its theme is a military victory wars with tanks, armored soldiers, prisoners, lances and a parade of infants appearing to the king, who is sitting in the middle of the upper band. And the Face of Peace: appears a parade of animals and tributes to a banquet presented before a king who drinks while chatting, seated figures appear and while a musician (at the top) that entertains with the melody of his lira. The figures represent in profile: legs and head in profile but shoulders and eyes front, there is law of hierarchy (hence the musician would crouch)


Between 1927 and 1928 the archaeologist Leonard Woolley discovered the royal necropolis of Ur, near the mouth of the Euphrates Sumerian city. This cemetery contains about 1800 graves. One of the best preserved was the Puabi, or Shubad queen, who lived around 2600 B.C., during the First Dynasty of Ur. Despite being buried in this cemetery was Akkadian origin. This discovery was quite amazing. Along with the large number of objects of all kinds found in his tomb, about 20,000, also appeared 52 or 65 servants, according to sources. There were soldiers with their weapons, maidens, charioteers, slaves, musicians found with their hands on their instruments, all buried with his queen. All were richly attired and there were no signs of violence, which suggests that the deaths were caused by poisoning.

The cuneiform tablets found so far offered no information on such rites, so the surprise was. Most objects and costumes were in pretty good condition. Others had to be restored.

Most pieces can be seen well in the British Museum, the Museum of the University of Pennsylvania, in Philadelphia. Others are in the National Museum of Iraq in Baghdad, although several of them disappeared during the war in 2003.

Ana Gago.

EL MUSEO DE PÉRGAMO Y LA PUERTA DE ISHTAR

Esta semana hemos decidido exponer por un lado el arte mesopotámico en museos europeos, y por otro lado, como tema contrapuesto el coleccionismo del arte emergente. Esta entrada se centra en el Museo de Pérgamo de Berlín y concretamente en su ala sur, la cual está destinada a Oriente.

El Museo de Pérgamo fue construido de acuerdo a los diseños de Alfred Messel Ludwig Hoffmann entre 1910 y 1930. En un principio este museo albergaba piezas arqueológicas que se encontraban en los fondos de otros museos de Berlín, como el  Altar de Pérgamo, el cual fue descubierto en 1871 por un ingeniero alemán, y cuyas negociaciones de propiedad duraron de 1878-1886, afirmando finalmente que se trasladaría a Berlín. Problemas en la estructura del edificio hizo inevitable que tuviera que ser demolido y reconstruido. 



El nuevo edificio estaba compuesto por tres alas, hoy en día destinadas a la colección de antigüedades, a Oriente Medio y al Arte Islámico. El museo ha ido adquiriendo prestigio y notoriedad principalmente por su dedicación a la hora de restaurar hallazgos arqueológicos como el propio Altar, la Puerta del Mercado de Mileto, la Puerta de Ishtar o la fachada Mshatta.

El Museo Vorderasiatisches, el ala dedicada a Oriente Medio, alberga los muros de la ciudad de Babilonia, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo. Dentro del conjunto que conforman los muros de la ciudad se encuentran la Puerta de Ishtar y la Vía procesional de Babilonia. Este museo constituye la colección más importante de antigüedades pertenecientes al mundo de Oriente, además de los muros de Babilonia encontramos cerámica de Samarra, tablillas cuneiformes de arcilla, relieves de culto incluso esculturas de alabastro pertenecientes al templo de Ishtar en Assur.



De esta manera, esta colección nos da una visión muy completa de alrededor de 6000 años de arte y cultura en Mesopotamia, Siria y Anatolia, así como de sus efectos e influencias en las culturas posteriores.

Como ya he mencionado, el principal reclamo de este museo lo constituye la ciudad de Babilonia, concretamente la Puerta de Ishtar. Ésta, era una de las ocho puertas que permitían la entrada al templo de Marduk, a través del muro de Babilonia. El nombre de Ishtar lo recibe de la diosa a la cual estaba consagrada. Fue construida durante el reinado de Nabucodonosor II en el año 575 a.C., está compuesta de adobe y cerámica vidriada de color azul, debido al lapislázuli. Otros colores como el rojo y el dorado dibujan la silueta de dragones, toros, leones y seres mitológicos.



 La parte inferior y el arco de la puerta están decoradas con grandes filas de flores que recuerdan a margaritas. En algún momento en el interior de la puerta había dos esfinges, pero con el tiempo se han perdido.

Los restos de la Puerta de Ishtar se encontraron en las campañas arqueológicas alemanas de 1902 a 1914, estos fueron trasladados a Alemania donde se restauraron en el Museo de Pérgamo en 1930. Aunque la mayor parte de los restos formen parte de esta reconstrucción de Berlín, algunos relieves se encuentran dispersos por otros museos, como el Museo Arqueológico de Estambul, el Metropolitan Museum de Nueva York o el Museo de Bellas Artes de Boston.







Alicia Serrano




THE PERGAMON MUSEUM AND THE ISHTAR GATE

Continuing with the topic to which we dedicate the blog this week, this entry centres on Pérgamo's Museum of Berlin and concretely on his south wing, which is destined for East.


Pérgamo's Museum was constructed in agreement to Alfred Messel Ludwig's designs Hoffmann between 1910 and 1930. In a beginning this museum was sheltering archaeological pieces that they were finding in the funds of other museums of Berlin, as Pérgamo's Altar, which was discovered in 1871 by a German engineer, and which negotiations of property lasted of 1878-1886, affirming finally that would move to Berlin. Problems in the structure of the building it made inevitable that had to be demolished and reconstructed.




The new building was composed by three wings, nowadays destined to the collection of antiquities, to Middle East and to the Islamic Art. The museum has been acquiring prestige and reputation principally for his dedication at the moment of restoring archaeological findings like the own Altar, the Door of Mileto's Market, Ishtar's Door or the front Mshatta.

The Museum Vorderasiatisches, the wing dedicated to Middle East, shelters the walls of the city of Babylonia, considered one of seven marvels of the ancient world. Inside the set that the walls of the city shape they find Ishtar's Door and the Route procesional of Babylonia. This museum constitutes the most important collection of antiquities belonging to the world of East, besides the walls of Babylonia we find Samarra's ceramics, cuneiform slats of clay, reliefs of enclosed worship sculptures of alabaster belonging to Ishtar's temple in Assur.




Hereby, this collection gives us a very complete vision of about 6000 years of art and culture in Mesopotamia, Syria and Anatolia, as well as of his effects and influences in the later cultures.

Since already I have mentioned, the principal claim of this museum constitutes it the city of Babylonia, concretely Ishtar's Door. This one, it was one of eight doors that were allowing the entry to Marduk's temple, across the wall of Babylonia. Ishtar's name receives it of the goddess to whom it was consecrated. It was constructed during the reign of Nebuchadnezzar the IInd in 575 B.C., it is composed of adobe and glazed ceramics of blue color, due to the lapislazuli. Other colors like the red one and the gilding draw the silhouette of dragoons, bulls, lions and mythological beings.





The low part and the arch of the door are decorated by big rows of flowers that resemble daisies. In some moment inside the door there were two sphinxes, but with the time they have got lost.

The remains of Ishtar's Door were in the archaeological German campaigns from 1902 to 1914, these were moved to Germany where they were restored in Pérgamo's Museum in 1930. Though most of the remains forms a part of this reconstruction of Berlin, some reliefs are dispersed for other museums, as the Archaeological Museum of Istanbul, the Metropolitan Museum of New York or the Museum of Fine arts of Boston.







Alicia Serrano



BIBLIOGRAFÍA

FRANKFORT, Henri, Arte y Arquitectura del Oriente Antiguo, Ed. Cátedra, Madrid, 2010

http://www.smb.museum/en/museums-and-institutions/pergamonmuseum/home.html

http://www.smb.museum/en/museums-and-institutions/vorderasiatisches-museum/home.html




domingo, 21 de febrero de 2016

¿Qué podemos conocer del mundo egipcio?

Siguiendo con la temática de esta semana, el proyecto Djehuti, esta entrada va a estar más más enfocada lo que podemos conocer sobre la antigüedad egipcia de la mano de este proyecto, pero conrarrestada también con otros muchos monumentos egipcios. Toda esta información que veremos no sería posible sin el trabajo del equipo de arqueólogos que practican desde hace catorce años. Para ello, me voy a centrar en el monumento funerario de Djehuti (ca. 1500 a.c) especialmente, aunque junto a este haya tumbas de otros personajes.

Djehuti era el tesorero durante el reinado de la reina Hatshepsut. Se encargaba de administrar y distribuir las riquezas que se adquirían en las expediciones que se realizaban más al sur de África.
Con este primer dato, podemos saber que los egipcios fueron una gran civilización con un fuerte sistema administrativo centralizado en una única persona: el faraón. Con lo cual, su estructura social era jerarquizada. A la cabeza del gobierno sólo había una persona que controlaba todo Egipto. Seguramente Djehuti, de su función administrativa, guardaría para sí una parte de las riquezas que administraba (oro, metales preciosos y materiales ricos) con lo que pudo financiarse su monumento funerario, puesto que, (otro dato más acerca del mundo egipcio que añadir) solamente las personas con cierta importancia social, tenían este tipo de enterramiento (ni cabe mencionar las famosísimas pirámides de Giza).


Por otro lado, eran plenamente conscientes de las limitaciones geográficas en las que se encontraban, pudiendo aprovechar solamente lo que les ofrecía el río Nilo (agua y escasos animales), con lo cual tenían que buscar recursos más allá de sus límites. Por ello que durante el tiempo que duró esta civilización se dedicaran a realizar expediciones por África.

Si contrarrestásemos la información que se ha descubierto (en nuestro caso ya estudiada anteriormente en el grado) de este yacimiento con otros monumentos egipcios podremos ver que Hatshepsut fue una mujer que reinó como faraón. Fueron muy pocas mujeres las que llegaban a gobernar, puesto que a la cabeza del reino tenía que haber un hombre.  Otro dato curioso acerca de ella es que pocas imágenes nos quedan de ella con respecto a las de otros faraones, puesto que a su muerte, su sucesor Tutmosis III se dedicó a borrar su memoria eliminando cualquier representación suya por todo Egipto.


Con lo relativo a lo excavado en la piedra, el espacio que nos encontramos es una representación del paso del mundo de los vivos al inframundo. El largo pasillo es el tránsito de una vida a la otra. Esto se sabe gracias a los jeroglíficos y representaciones ubicadas en las paredes y el techo. En las salas que dan más al exterior se muestran escenas de banquete y de la vida cotidiana que representaría a esta vida. Y en las salas a las que se llega una vez cruzado el pasillo, asi como la cámara funeraria están recubiertas por pasajes del libro de los muertos y con la ceremonia que supuestamente se le brindaría a Djehuti una vez hubiera muerto. La cámara funeraria en la que descansaría el cuerpo del difunto se encuentra subterránea (y esto también ocurre en las pirámides) a unos 13 metros aproximadamente del nivel del suelo. ¿Por qué? Se debe a que ellos creían en la capacidad de la resurrección relacionada con el sol. Cada vez que el dios solar viaja por el subsuelo está muriendo y navegando por el subsuelo en la barca solar para renacer con el nuevo día. Cuanto más profundidad tuviera la cámaras funeraria, más fácil es montarse en esa barca solar para poder renacer con la salida del sol.


Reconstrucción en 3D del monumento dedicado a Djehuty, en el que se observa el profundo pozo que da acceso a la cámara funeraria. // 3D reconstruction of the monument to Djehuty, where the deep hole leads to the burial chamber.



Plano del monumento dedicado a Djehuty en el que podemos (9, 11) ver el largo pasillo que separa los dos mundos // Plane of the monument dedicated to Djehuty in which we can see the long corridor (9, 11) that separates the two worlds.




También tenemos constancia de que no sólo durante las grandes expediciones del siglo XX a Egipto se han llevado a cabo y saqueando más de la cuenta, sino que los expolios se realizaban también en la propia Edad Antigua durante las dinastías posteriores con la intención de encontrar oro, piedras preciosas y materiales de cierto valor. Debido a ello, no nos ha llegado hasta nuestros días el sarcófago, ni el cuerpo momificado de nuestro protagonista.



No obstante mucha más información, asi como un diario de excavación, acerca de este maravilloso yacimiento lo podeis encontrar en el siguiente enlace: http://www.excavacionegipto.com/



Ana Ágreda



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What can we learn from the Egyptian world?

We continue with the theme of this week about the Djehuti project. This post will be focused on what we know about ancient Egypt with the information of this project, but also counteracted with many other Egyptian monuments. All this information we will not be possible without the work of the team of archaeologists who they have done for fourteen years. To do this, I will focus on the memorial of Djehuti (ca. 1500 A.C.) especially, but along with this there are graves of other characters.


Djehuti was the minister of finance during the reign of Queen Hatshepsut. He was in charge of managing and distributing the wealth that is acquired on expeditions that were carried over to South of Africa.
We realize that the Egyptians were a great civilization with a strong administrative system centralized in a single person: Pharaoh. Its social structure was hierarchical. At the head of the government there was only one person who controlled Egypt. Surely Djehuti, kept for himselfits a part of the riches he administered (gold, precious metals and rich materials) from his administrative function, so he could finance his funerary monument. Only people with high social status, had this type of burial (don't forget the pyramids of Giza).


On the other hand, Egyptians were fully aware of the geographical limitations that were, being able to take advantage offered them only what the Nile river (water and few animals). For this reason they had to seek resources beyond their limits. Therefore, during the period of this civilization they were devoted to expeditions through Africa.

If we check information that has been discovered (in our case, previously studied in our college degree) from this site with another Egyptian monuments, we can see that Hatshepsut was a woman who reigned as pharaoh. Were very few women who came to rule, because at the head of the kingdom had to be a man. Another curious fact about her, it's that few images remain of it with respect to other pharaohs. Since her death, his successor Tuthmosis III was dedicated to erase his memory removing any representation of her throughout Egypt.


With regard to monument carved into the hill, the space we face is a representation of the way from the alive world to the underworld. The long corridor is the transition from one life to another one. This is known by hieroglyphs and representations in the walls and ceiling. In rooms that give outermost scenes of feasting and everyday life that would represent this life is. And in the rooms which can be reached after crossing the hall as well as the burial chamber are lined with passages from the dead and the ceremony that supposedly would give Djehuti once was dead. The burial chamber in which the corpse rest is underground (and this also happens in the pyramids) about 13 meters approximately ground level. Why? It is because they believed in the ability of the resurrection related to the sun. Whenever the sun god travels the subsoil is dying and browsing underground in the solar boat to be reborn to a new day. The deeper the burial chambers have, the easier it is mounted on the solar boat to be reborn with the sunrise.



We also have evidence that not only during the expeditions of the twentieth century to Egypt have been carried out and looting over the odds, but the spoils were also held in antiquity during later dynasties with the intention of finding gold, precious stones and rich materials. As a result, it has not come to us to this day the sarcophagus, and the mummified body of our hero.



However much more information as well as a diary of excavation, about this wonderful site you can find it at the following linkhttp://www.excavacionegipto.com/

sábado, 20 de febrero de 2016

FRAGMENTOS CERÁMICOS EN LAS INMEDIACIONES DE LA TUMBA DE HERY


Durante el año 2005, la cuarta campaña de este proyecto Djehuty al que dedicamos nuestras primeras entradas, se hallaron en la tumba de Hery un conjunto de recipientes cerámicos. Estos fragmentos, debido a las materias primas  de que están compuestos junto con las características técnicas y decorativas han permitido al equipo de excavación establecer una cronología comprendida entre el inicio de la Dinastía XVIII y el reinado de Amenhotep II, siendo este el séptimo faraón de dicha dinastía.

En este tiempo se produce una serie de innovaciones en la alfarería egipcia, entre las cuales es destacable la introducción del color azul, hasta esta época la variedad cromática se reducía al marrón, negro y al rojo. El diseño de la decoración se basa en líneas horizontales, en ocasiones verticales, situada en las zonas estructurales del recipiente, como el cuello o el diámetro máximo.
Es un estilo documentado desde finales del II Período Intermedio y el principio de la Dinastía XVIII, es similar a otro estilo en el cual se trazan las líneas en color negro antes de la cocción. Uno de los fragmentos hallados responde a estas características.


Desde los inicios de este estilo se comienzan a incluir en los diseños motivos de tipo geométrico, como triángulos alineados coloreados, o pequeños círculos en marrón o negro. Incluso se puede apreciar esbozos lineales a partir de los cuales se evocan imágenes sagradas, como por ejemplo las diosas Hathor e Isis. Se ha situado la incorporación del color azul en las decoraciones durante los reinados de Amenhotep II y Thutmose IV.

En estas fechas se baraja también la introducción de nuevos diseños pictóricos que incluyen sobre la parte más ancha del cuerpo de las vasijas imágenes figuradas enmarcadas por líneas horizontales en rojo y negro, en ocasiones incluso en azul. Estas representaciones suelen ser de animales en movimiento, como aves caminando o caballos al trote, también aparecen otros motivos de la naturaleza e incluso signos de la escritura jeroglífica empleados como emblemas de carácter simbólico aludiendo a la eternidad. Los expertos aseguran que la inclusión de estos motivos surgió antes de la introducción del color azul, el cual ya estaba asentado perfectamente en el reinado de Amenhoptep III.

Los diseños más elaborados de este estilo fueron aplicados generalmente sobre recipientes de arcilla magrosa, aunque se han hallado en recipientes de arcilla fluvial, pero es menos frecuente, lo que nos indica que se trata simplemente de una imitación de las arcillas magrosas, pero con un material más básico.

Curiosamente al tiempo que aparecía este estilo denominado “Brown and red painted” surgían en recipientes modelados a partir de arcilla fluvial procedente del Nilo, decoraciones con líneas negras aplicadas sobre englobes rojizos. En este hallazgo se han encontrado recipientes que responden a estas características, las cuales se asemejan a otros recipientes documentados en Dra Abu el Naga.


La introducción del color azul da lugar a un estilo llamado “Blue painted style”, suele presenta un tono azul cobalto ofreciendo series de motivos florales esquematizados o reducidos a diseños geométricos. Este estilo es aplicado principalmente sobre arcillas fluviales. Se ha hallado un recipiente con estas características en la tumba de Hery, lo que nos hace preguntarnos ¿Cómo ha llegado un recipiente moderno a las inmediaciones de esta tumba de reinados anteriores? Podría tratarse de una evidencia de la actividad cultural desarrollada de forma ininterrumpida en torno a la tumba de Hery a lo largo de casi quinientos años.

Otra posibilidad es que esta pieza hubiera llegado a este emplazamiento como consecuencia de la actividad en torno a la necrópolis.

Alicia Serrano

Para más interés: http://www.excavacionegipto.com/


CERAMIC FRAGMENTS FOUND IN THE VICINITY OF THE TOMB OF HERY 


During the year 2005, the fourth campaign of this project Djehuty to which we dedicate our first income, were situated in Hery's tomb a set of ceramic containers. These fragments, due to the raw materials of which they are composed, as well as the technical and decorative characteristics have allowed to the equipment of excavation to establish a chronology understood between the beginning of the Dynasty the XVIIIth and the reign of Amenhotep II, being this the seventh Pharaoh of the above mentioned dynasty.

At this time a series of innovations takes place in the Egyptian pottery, between these innovations there is prominent the introduction of the blue color, up to this epoch the chromatic variety was diminishing to the quoit, black and to the red one. The design of the decoration is based on horizontal lines, on vertical occasions, placed in the structural zones of the container, as the neck or the maximum diameter.



It is a style documented from ends of the Period II Intermediate and the beginning of the Dynasty the XVIIIth, is similar to another style in which the lines are planned in black color before the boiling. One of the found fragments answers to these characteristics.

From the beginnings of this style there are begun to include in the designs motives of geometric type, as aligned colored triangles, or small circles in quoit or black. Even it is possible to estimate linear sketches from which sacred images are evoked, as for example the goddesses Hathor and Isis.

There has placed the incorporation of the blue color in the decorations during the reigns of Amenhotep II and Thutmose IV. In these dates there fights also the introduction of new pictorial designs that include on the broadest part of the body of the jars figurative images framed by horizontal lines in red and black, and cause even in blue. These representations are in the habit of being of animals in movement, as birds walking or horses to the trot, also other motives of the nature appear and enclosed signs of the hieroglyphic writing used as emblems of symbolic character alluding to the eternity. The experts assure that the incorporation of these motives arose before the introduction of the blue color, which already was seated perfectly in the reign of Amenhoptep III.

The most elaborated designs of this style were applied generally on containers of clay magrosa, though they have been situated in containers of fluvial clay, but it is less frequent, which indicates us that it is a question simply of an imitation of the clays magrosas, but with a more basic material.


Curiously at the time that it was appearing this style called " Brown and red painted " was arising in containers shaped from fluvial clay proceeding from the Nile, decorations with black lines applied on include reddish. In this finding they have found containers that answer to these characteristics, which are alike other containers documented in Dra Abu the Naga.

The introduction of the blue color gives place to a so called style " Blue painted style ", occurs presents a blue tone cobalt offering series of floral motives outlined or diminished to geometric designs. This style is applied principally on fluvial clays. A container has been situated with these characteristics in Hery's tomb, which does us to wonder how has modern container come to the surrounding areas of this tomb of previous reigns? It might be a question of an evidence of the cultural activity developed of uninterrupted form concerning Hery's tomb throughout almost five hundred years.


Another possibility is that this piece had come to this emplacement as consequence of the activity concerning the necropolis.

Alicia Serrano